Говорят, что извечная надежда на лучшее – память бессмертной человеческой души об однажды потерянном рае. Картина «Первый поцелуй Адама и Евы» написана испанским художником Сальвадором Виньегрой в 1891-м году.

От сотворения мира прошло совсем немного времени, и новорожденная земля ещё купается в щедром потоке божественных лучей. Животные и первые люди сосуществуют в любви и взаимопонимании. Кажется, что ничто на свете не сможет разрушить первозданной идиллии, сотворённой самим Богом.

Ветхозаветные прародители пока безгрешны. До поры сохраняя заветы всемогущего творца, они не вкушают плода от дерева добра и зла, а значит не ведают ни стыда, ни боли, ни печали. Шёлковый ковёр травы для них самое мягкое ложе, а волосы – красивейшая из одежд. Гуляющая неподалёку пара львов не причиняет им вреда, поскольку звери не проявляют хищных повадок.

Однако время грехопадения неотвратимо приближается, как и наказание, которое неизбежно за ним последует. Стоящее слева дерево обвито гибкими змеиными кольцами. Шея ползучего гада покоится под пальцами главного героя. До сих пор хитрый змей проявляет рабскую покорность, но недалёк тот час, когда раздастся его вкрадчивое убаюкивающее волю шипение, и на смену счастливому бытию придут стенания и скорби.

Сегодня полотно хранится в коллекции музея Прадо (Мадрид, Испания).

История, которая перевернула всё...

«Он стал никому не нужным. Кроме нас…»

Здравствуйте. Меня зовут Наталья, я основатель фонда «Добрый слон». Хочу рассказать вам про одного дедушку — Анатолия Ивановича. Это история, которую я бережно храню в сердце.

Мы познакомились в доме престарелых, куда я пришла волонтёром 13 лет назад. Он ждал нас, как родных. Плакал от встреч. Был светлым, открытым человеком.

А потом мне позвонила сиделка. Как оказалось, дедушку увезли в больницу, а обратно ему ехать некуда. Сын пропал, перестал платить за пансионат и забрал документы, заодно лишив отца имущества. Так Анатолий Иванович стал бездомным.

Он перестал вставать, ходить… Предательство родного человека его просто сломало. Волонтёры ухаживали за ним, мыли, брили, поддерживали. Мы не могли его бросить.

Когда пришло время выписываться, платить за пансионат было нечем. И тогда я позвонила той самой управляющей, с которой всё начиналось. Она сказала: «Я помню Анатолия Ивановича. Возьму его безоплатно».

Он прожил там несколько лет. Обожал музыку, особенно скрипку нашей Милы. Но здоровье уже так и не восстановилось. Когда он умер, у него не было даже паспорта. Похоронить было не на что.

Мы написали пост. Без особой надежды. Но за одну ночь люди собрали нужную сумму — и даже больше. Остаток отправили женщине с раком на операцию. Её спасли.

Вот так Анатолий Иванович ушёл, но его добро — осталось.

Сегодня фонд «Добрый слон» помогает сотням таких же бабушек и дедушек: привозим продукты, лекарства, не даём остаться одним.

Пожалуйста, помогите нам собрать средства на продуктовые наборы для 576 пожилых в Ленобласти.

Даже 50 рублей много, когда нас много!

Поддержать сбор можно любым удобным способом на сайте: https://pensioners-help.ru...

В тишине кабинета разворачивается напряжённый диалог без слов. За массивным письменным столом врач склонился над записями, избегая прямого взгляда на пациента, тогда как молодой мужчина напротив сидит неподвижно, сдерживая волнение. Картина Джона Кольера «Смертный приговор» (1908) изображает трагический момент объявления смертельного диагноза.

Сюжет строится на контрасте поз и выражений: врач погружён в медицинские факты, а больной, сжав руки, смотрит прямо на зрителя. В этом взгляде — и страх, и смирение перед неотвратимым. Лаконичность композиции, строгая цветовая гамма и отсутствие лишних деталей усиливают драматизм сцены, превращая бытовой эпизод в универсальную метафору человеческой обречённости.

Джон Кольер (1850–1934) был английским художником, связанным с кругом прерафаэлитов, но отличавшимся более сдержанным, реалистическим стилем. Он нередко обращался к сюжетам, в которых соединялись психологическая напряжённость и нравственный выбор. «Смертный приговор» считается одной из его наиболее пронзительных работ, где реализм служит не только изображению, но и глубокому эмоциональному воздействию.

Сегодня полотно хранится в художественной галерее в городе Вулверхэмптон, Англия.

В полумраке роскошной спальни разворачивается тихая сцена, полная повседневной интимности. Перед зрителем — момент начала дня, когда мир ещё не вошёл в привычный ритм, и всё вокруг дышит ленивым покоем. Так выглядит полотно «Утро», написанное французским художником Жозефом Каро в 1865 году.

Хозяйка лежит на высокой постели в белой ночной сорочке — домашнем дезабилье эпохи Второй империи. В спальню входит горничная с подносом: фарфор, серебряный кофейник, лёгкий книксен — и утро превращается в маленькую церемонию. В глубине альковa видно вторую служанку: она возится у портьер, приводя в порядок комнату, — тихий намек к ленивой неге хозяйки. У кровати подпрыгивает маленькая собака на пуфике, требуя внимания.

Критики отмечали в этой картине Каро внимание к деталям интерьера: тяжёлые портьеры, гобеленовые кресла, изящная мебель и тёплый свет камина создают образ уюта, но одновременно указывают на социальный статус героини. «Утро» воспринимается не только как жанровая сцена, но и как своеобразный портрет эпохи, в которой частная жизнь стала предметом художественного наблюдения и эстетического интереса.

Сегодня полотно хранится в частной коллекции.

Опьяневшая от бесчинств толпа беснуется над поверженной жертвой, обагрившей кровью булыжную мостовую. Обнажённая женщина уже мертва, но расправа над ней ещё не закончена. Картина «Смерть принцессы де Ламбаль» написана французским живописцем Леоном Максимом Февром в 1908-м году.

Мадам де Ламбаль была супругой одного из правнуков Людовика XIV. Рано овдовев, она осталась жить при дворе и исполняла обязанности домашней управительницы в свите Марии-Антуанетты. Грянувшая Великая французская революция смела не только правящую династию Бурбонов. Вместе с монархами сначала в заточение, а затем на плаху последовало всё придворное окружение.

В тюрьме над бывшей фрейлиной учинили суд. Восставшие настаивали, чтобы аристократка признала верховенство революционных идеалов. Принцесса присягнула триаде свободы, равенства и братства, но отказалась проклинать свергнутого короля, чем и подписала себе смертный приговор. После продолжительных и мучительных истязаний ей отрубили голову, а тело расчленили. Ужасающие подробности казни содержатся в многочисленных мемуарах того времени.

На полотне изображён момент, когда своевольные палачи сгрудились над только что испустившей дух несчастной. Передние ряды хотят удостовериться в наступившей гибели, задние, одержимые слепой злобой, ещё размахивают саблями и топориками. У самой стены за происходящим наблюдают любопытные дети. Рядом с ними старуха с всклокоченными седыми волосами исступлённо призывает собравшихся продолжать бойню. В центре композиции спиной к зрителям, уперев руки в дородные бока, стоит горожанка, равнодушно взирающая на кровавые плоды переворота.

Сегодня полотно хранится в Музее Французской революции (коммуна Визий, Франция).

Каждая эпоха возводит на пьедестал нового кумира. Однако последующие поколения далеко не всегда испытывают пиетет как перед наследием прошлого, так и перед его ушедшими в небытие героями. Картина «Дом культуры» написана Александрой Щёголевой в 2021-м году.

Где-то среди бескрайних просторов бывшего Советского Союза затерялось позабытое Богом село. Когда-то здесь кипела жизнь: люди трудились в колхозе, строили планы и мечтали дожить до коммунизма. В просторном сельском клубе яблоку было негде упасть. Для ребят организовывали кружки, для молодёжи танцы, для семейного досуга из районного центра привозили киноленты.

Теперь здесь царит мерзость запустения. Облупившееся здание глядит на мир слепыми глазницами заколоченных окон, а у ног гипсового вождя пасётся стадо коз. Сгорбленная старуха, хозяйка животных, одна из последних жительниц умирающей глубинки. Тяжело опираясь на посох, она смотрит на руины и, как водится, вспоминает былое. Низко нависшее над землёй серое небо усиливает ощущение неизбывной тоски.

По словам художницы, эта работа – воспоминание о детстве, которое пришлось на начало 90-х годов ХХ века. Период безвременья между распадом империи и возрождением новой России характеризовался всеобщим разрушением быта и нравов. Преодолевать последствия трагедии вновь предстоит потомкам.

Сегодня полотно хранится в Санкт-Петербурге в коллекции музея Академии художеств.

Микеланджело: гений который не мылся годами

Известный представитель эпохи Возрождения – Микеланджело Буонарроти – отличался завидной работоспособностью и спал не более пяти часов в сутки. Причем, делал он это, не снимая одежды и даже обуви. Порой, он не снимал сапоги неделями, и потом их приходилось сдирать вместе с кожей. Этому научил его отец: «Главное, береги голову, не кутайся чрезмерно и никогда не мойся!» (письмо от 19 декабря 1500 г.).

Художник считал гигиену вредной и вообще не задумывался «о чистоте ногтей». Он считал, что, не снимая сапог и одежды его мышцы не расслабляются, а значит, проснувшись, он более работоспособен, да и время на одевание тратить не придется. Порой, в путешествиях он снимал койку для себя и своих учеников, и они спали все вместе. Дело вовсе не в интимных отношениях – обыкновенная экономия. Несмотря на принципиальное пренебрежение гигиеной, художник прожил до 88 лет.

Даниэле да Вольтерра. Портрет Микеланджело. 1545 год.

Некоторые мгновения жизни слишком хрупки, чтобы их нарушить — и потому наблюдать за ними особенно интересно. На границе повседневного и почти театрального разворачивается сцена, где в центре — не люди, а пушистые дегустаторы. Картина «Любители чая» принадлежит кисти бельгийской художницы Генриетты Роннер-Книп.

На столе ещё не убраны предметы недавнего чаепития: чашка с блюдцем, серебряная ложка, фарфоровый чайник. Но всё внимание приковывает парочка котят, привлечённых ароматом оставленного напитка. Один из них тянется мордочкой прямо к чашке, будто желая понять, чем так увлечены взрослые. Второй осторожно наблюдает, сохраняя настороженность.

Генриетта Роннер-Книп (1821–1909) — бельгийская художница, ставшая известной прежде всего своими изображениями кошек. Она выросла в семье художников, что определило её путь с ранних лет. В отличие от многих современников, Роннер-Книп уделяла внимание не только внешней красоте животных, но и их характеру: в её картинах кошки не просто модели, а участники маленьких историй.

Вопросы справедливости, морали и человеческой ответственности остаются актуальными во все времена, особенно когда они затрагивают судьбы народов и целых цивилизаций. В мире, где политика и дипломатия должны служить благу человечества, неизбежно возникает вопрос о подлинной роли этих институтов. Картина «Принц мира», написанная Гарри Андерсоном в 1962 году, поднимает этот философский и нравственный вызов, изображая Иисуса Христа перед зданием ООН.

Центральный образ полотна – величественная, но исполненная кротости фигура Христа, который осторожно касается стеклянных окон штаб-квартиры Организации Объединённых Наций. Вопрос, который как будто звучит в этой сцене, ясен: слышат ли сильные мира сего голос нравственности, правды и милосердия, или они закрыты для божественных истин?

Эта картина нередко ошибочно называется «Иисус стучится в окна ООН», что, впрочем, довольно точно передаёт её смысл. Такое народное название подчёркивает главную идею произведения – призыв к духовному пробуждению, обращённый к тем, кто принимает важнейшие решения в мировой политике. Однако оригинальное название – «Принц мира» – ещё более глубоко раскрывает замысел автора, акцентируя внимание на миротворческой миссии Христа и его желании наставить человечество на путь добра и справедливости.

Андерсон использует контраст масштабов, усиливая драматизм сцены. Величественный Христос, олицетворяющий духовное начало, возвышается над зданием, которое символизирует власть, разум и человеческие амбиции. Однако его поза не грозная и не повелительная – в ней ощущается мягкость, призыв к диалогу, попытка напомнить людям о вечных ценностях. Обычная суета у подножия небоскрёба, автомобили и пешеходы, создают контраст с библейским образом, словно подчеркивая отдалённость современного мира от истинной духовности.

Гарри Андерсон на протяжении всей своей карьеры уделял особое внимание религиозным темам, находя в них источник вдохновения и глубокого смысла. Его картины, посвящённые образу Христа, всегда наполнены не только техническим мастерством, но и искренним духовным переживанием. В «Принце мира» художник не просто создал символический сюжет, но и задал вопросы, которые остаются важными и в XXI веке: прислушивается ли человечество к нравственным заповедям или предпочитает игнорировать их в погоне за политическими интересами?

Логика земного мира больше не работает. Влюблённые, забыв о гравитации, парят над родным городом, охваченные чувствами настолько сильными, что реальность под ногами теряет значение. Так выглядит картина «Над городом», созданная Марком Шагалом в 1918 году.

Мужчина в зелёной рубашке — автопортрет художника, женщина в синем — его муза и жена Белла. Они взмывают в небо над Витебском — городом, который был для Шагала не просто географией, а внутренним миром, возвращающимся снова и снова в его работах. Композиция развёрнута по диагонали, фигуры будто застигнуты в полёте, но выражение их лиц спокойно — здесь нет страха, только единение. Отказ от перспективы и явная деформация пространства подчёркивают ирреальность происходящего — всё подчинено эмоции. Это не сцена из жизни, а образ чувства, почти метафора любви как формы свободы.

«Над городом» была написана вскоре после свадьбы и возвращения Шагала в Витебск, где он ненадолго оказался в иллюзии устойчивого счастья. Эта работа — не просто признание в любви, но и попытка сублимировать личное переживание в универсальный художественный язык. Критики часто отмечают, что именно здесь окончательно формируется живописный почерк Шагала: смесь наивного искусства, символизма и экспрессивной деформации форм.

Сейчас полотно хранится в собрании Третьяковской галереи.

Из-за расступившихся, словно театральные кулисы, туч на небесную авансцену выплыл круглый диск луны. Её мистический зеленоватый свет растворяет тёплую густоту южного мрака. Картина «Лунная ночь на Днепре» написана Архипом Куинджи в 1880-м году.

Поверхность широкой величавой реки подёрнута лёгкой рябью. В том месте, где ночное светило проложило дорожку, чешуйки волн ослепляют невыразимым свечением, по краям переходящим в фосфорическое зелёное мерцание. Погружённое во тьму село, стоящее на высоком берегу, кажется призрачным видением. Смутные очертания мазанок потонули в полуночной темноте. Даже чёткий силуэт мельницы с замершими крыльями более фантастичен, чем реален.

Ещё на стадии написания о новом детище Архипа Ивановича начали ходить легенды. Друзья мастера, имевшие возможность наблюдать за рождением шедевра, наперебой восхищались удивительной работой. Когда произведение было готово, для него устроили индивидуальную выставку. Чтобы полюбоваться единственным экспонатом вернисажа, публика выстаивала многочасовую очередь. Недоверчивые зрители были уверены, что сзади изображение подсвечено фонарём, и в подтверждение своей утопической догадки пытались заглянуть за холст.

Первым владельцем полотна стал Константин Константинович Романов, великий князь и президент Императорской академии наук. Сегодня некогда принадлежавшее ему сокровище хранится в Русском музее Санкт-Петербурга. Более поздние авторские версии пейзажа можно увидеть в галереях Москвы, Астрахани и Уфы.

Викторианская живопись часто обращалась к теме детства, находя в нём неиссякаемый источник искренности и обаяния. Особенно трогательно эти мотивы раскрывались в жанровых сценах, где ребёнок и животное вступают в почти равноправный диалог. Картина английского художника Чарльза Бартона Барбера «Попроси получше» написана во второй половине XIX века.

Главный герой этой сцены — полосатый кот, который, балансируя на краю стола, ловко и упрямо тянется к миске. Его поведение — смесь настойчивости и ласки: кошка будто знает, что перед таким напором ребёнок не устоит. Девочка же, едва сдерживая улыбку, превращает отказ в игру, наслаждаясь моментом и продлевая удовольствие.

Чарльз Барбер был известен именно такими жанровыми сценами, в которых дети и животные становятся равноправными участниками небольших бытовых историй. Его работы пользовались популярностью в викторианской Англии.

Сегодня полотно находится в частной коллекции.

Честный и хорошо оплачиваемый труд будет приносить радость, если в пару к нему не прилагаются нравственные страдания. Картина «Кавалеры» написана французским художником немецкого происхождения Вильгельмом Генрихом Шлезингером в 1859-м году.

Юная, неискушённая жизнью барышня недавно поступила на службу. Для девушек её круга место в богатом доме – предел мечтаний, и многие без раздумий согласились бы на это во всех отношениях выгодное предложение. Однако душа девицы неспокойна. Её молодость притягивает внимание светских вертопрахов, а скромность является причиной их глупых насмешек. Подоткнув подол верхней юбки, горничная приступила к уборке покоев. К несчастью мимо проходили очередные визитёры, не упустившие удобного случая остановиться и вогнать скромницу в краску.

Господин в терракотовом камзоле демонстративно отвешивает поклон. Его товарищ в зелёном костюме недвусмысленно приложил ладони к сердцу и изобразил на лице гримасу, вероятно выражающую восхищение. Третий участник дешёвой комедии – некий господин в чёрном, для которого не нашлось места в первом ряду. Чтобы заглянуть в личико смущённой героини, он согнулся практически пополам. Со стороны нелепая поза престарелого ловеласа выглядит особенно комичной.

Изображение бытовых сценок было одним из основных направлений в творчестве живописца. По мнению исследователей, мастеру особенно удавались изящные образы сентиментальных особ.

Сегодня полотно хранится в частной коллекции.

Размытая лунная дорожка на воде ведёт взгляд сквозь темень — туда, где заканчивается берег и начинается безмолвие. Облака, лес - уходящий вглубь, и река, переливающаяся серебром, сливаются в единую ночную симфонию. Всё это — в картине «Ночь на Волге», написанной Алексеем Дмитриевичем Храмовым в 1983 году.

Композиция строится по законам естественной глубины: передний план занимает тёмная волнистая масса леса, далее — поля, излучина реки и, наконец, низкий горизонт с мерцающим светом. Центральный фокус — луна, между облаками, и её отражение в воде. От этого отражения исходит не только свет, но и ощущение дыхания ночи, её скрытого движения. Несмотря на отсутствие человека, в пейзаже чувствуется его точка зрения — как будто зритель стоит на склоне, вглядываясь в знакомый ландшафт.

Алексей Храмов родился в 1910 году. Становление художника пришлось на довоенное и послевоенное десятилетия, когда пейзаж в советском искусстве часто обретал статус «портрета Родины». В своих работах Храмов последовательно разрабатывал тему волжского ландшафта. Участвовал в выставках «Большая Волга», был членом Союза художников, и его картины сегодня входят в фонды региональных музеев.

На первый взгляд перед нами жанровая сценка с собакой у накрытого стола. Но за этим простым образом скрывается ироничная аллюзия на историческое выражение о решительном шаге, после которого нет пути назад. Таково полотно «Цезарь на Рубиконе», написанное в 1878 году немецким художником Вильгельмом Трюбнером.

Художник явно играет со знаменитым выражением «перейти Рубикон», обозначающим точку невозврата. Здесь оно переосмыслено в комическом ключе: вместо полководца, решающего судьбу империи, мы видим собаку, собравшуюся «посягнуть» на хозяйскую колбасу. Сочетание классической исторической аллюзии с бытовым образом делает картину остроумной и запоминающейся.

Вильгельм Трюбнер (1851–1917) был одной из ключевых фигур немецкого реализма конца XIX века. Начав как ученик Ханса фон Маре и Вильгельма Лейбля, он примкнул к «лейблевскому кружку» — группе художников, стремившихся к предельно честному и точному изображению действительности без идеализации. Трюбнер уделял особое внимание простым сюжетам и бытовым деталям, находя в них философскую глубину и скрытую иронию.

Сегодня полотно находится в частной коллекции.

Любознательность и любопытство произрастают из одного корня. Но если первое свойство характера может привести к новым открытиям, то второе служит лишь для удовлетворения собственных мелочных интересов. Картина «Подслушивание» написана французским художником греческого происхождения Теодоросом Раллисом в 1880-м году.

Все обязанности оказались забыты, как только порог переступил загадочный незнакомец. Вместо того чтобы продолжать начатую работу, служанка, стараясь не стучать каблуками, подкралась к тяжёлой портьере, закрывающей дверной проём, и практически не дыша вся обратилась в слух. То, что происходит в соседней комнате, вряд ли предназначено для посторонних ушей, но этическая сторона поступка женщину не трогает.

На резном стуле, обитом кожей, посетитель оставил вещи, лишние на романтическом свидании. Оружие, плащ с алой подкладкой и шляпа, эффектно украшенная пером, дают яркое представление об их владельце. Не удивительно, что горничная сгорает от желания выведать подробности аудиенции. Вряд ли её жизнь богата на события. Их недостаток героиня пытается компенсировать за счёт наблюдения за хозяйкой.

Судя по кусочку интерьера, запечатлённому на холсте, а также по униформе прислуги можно смело предположить, что действие разворачивается в богатом доме. Элементы женского наряда, состоящего из платья, фартука, наколки и туфель, не только подобраны с большим вкусом, но и изготовлены по индивидуальной мерке.

Сегодня полотно хранится в частной коллекции.

На полотне перед зрителем разворачивается забавная и в то же время очень живая сцена. Кошка и два котенка внимательно следят за содержимым стола, где на тарелке лежит кусок сыра. Картина «Любители сыра» бельгийской художницы Генриетты Роннер-Книп передаёт момент коварного и настойчивого интереса четвероногих кулинарных гурманов.

Картина «Любители сыра» относится к числу типичных для Генриетты Роннер-Книп жанровых сцен с животными, в которых она сочетала наблюдательность и изящество. Художница передает атмосферу лёгкого озорства, делая зрителя невольным участником этой маленькой «кухонной интриги».

Генриетта Роннер-Книп (1821–1909) родилась в Амстердаме, но значительную часть жизни и творческого пути провела в Бельгии. Первые уроки живописи получила от отца, художника Йозефа Книпа. Её картины пользовались успехом у европейской публики, особенно у заказчиков из высшего общества, которые ценили её умение передать характер и повадки животных. Роннер-Книп стала одной из наиболее известных художниц XIX века, посвятивших своё творчество миру домашних питомцев.

В тихой заводи вода кажется почти неподвижной, отражая тёмную глубину и едва заметные подводные растения. На её поверхности лежат крупные круглые листья, среди которых раскрываются белые цветы кувшинок, некоторые из них уже тронуты увяданием, а отдельные листья окрасились в жёлтые и красноватые тона. Перед зрителем — «Лилии. Ненюфары» (1895) Исаака Левитана.

В этом полотне нет привычного для художника широкого пейзажного плана — зритель словно оказывается очень близко к водной глади, наблюдая за тонким сочетанием форм и оттенков. Фактура листьев, прозрачная толща воды и лёгкие блики света создают впечатление живого дыхания пруда, где каждый элемент гармонично связан с окружающей средой.

Исаак Ильич Левитан (1860–1900) — один из крупнейших русских пейзажистов, чьё творчество оказало значительное влияние на развитие жанра. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, где его наставниками были Алексей Саврасов и Василий Поленов. Левитан стремился передавать в пейзаже не только внешний облик природы, но и её эмоциональное состояние, создавая произведения, наполненные глубоким лиризмом и философским подтекстом.

Сегодня полотно хранится в Астраханской государственной картинной галерее.

В комнате с изысканными деталями интерьера сидит маленькая девочка, погружённая в занятие, полное детской непосредственности. Она держит в руках украшенное золотой рамкой зеркало и с любопытством рассматривает своё отражение, поправляя ожерелье на шее. Картина «Восхищение» швейцарского художника Фрица Цубер-Бюлера передаёт момент наивного самолюбования и радости от собственного образа.

Картина «Восхищение» относится к числу жанровых работ Фрица Цубер-Бюлера, в которых он мастерски изображал детей в повседневных, но трогательных ситуациях. Здесь художник уделяет особое внимание мягкому свету, играющему на лице и руках девочки, тщательно прорисованным деталям интерьера и фактуре тканей.

Фриц Цубер-Бюлер (1822–1896) — швейцарский художник, работавший преимущественно во Франции, представитель академической школы живописи XIX века. Учился в Париже у Франсуа-Жозефа Хейма, совершенствовал мастерство в Италии, где изучал классическое искусство. Широкую известность получил благодаря портретам, жанровым сценам и работам на религиозные сюжеты.

Сегодня полотно хранится в частной коллекции.

Мощный поток воды стремительно срывается вниз, разбиваясь о камни и поднимая облака брызг. На переднем плане среди поваленных деревьев и скал стоят люди, наблюдающие величие стихии, а вдалеке виден мост, перекинутый через бурный поток. Перед нами — картина «Водопад Невада, Йосемити» американского художника Альберта Бирштадта (1830–1902).

Картина «Водопад Невада, Йосемити» — один из примеров мастерства Бирштадта в передаче величия чудес природы. Художник сочетает внимание к деталям и монументальность композиции: контраст мощного водного потока и неподвижных фигур людей подчёркивает грандиозность пейзажа и ощущение человеческой малости перед стихией.

Альберт Бирштадт (1830–1902) родился в Германии, но в детстве переехал в США. Он получил художественное образование в Дюссельдорфской академии, а затем посвятил значительную часть жизни путешествиям по Северной Америке, создавая пейзажи, которые прославили его как одного из ведущих представителей школы луминизма и романтического реализма.

Сегодня картина хранится в Музей Метрополитена, Нью-Йорк.

В переполненной народом гостиной раздаются громоподобные звуки. На чайном столике мелко подрагивает посуда, но это непроизвольное дрожание вызвано отнюдь не природным катаклизмом. Картина «Протодиакон, возглашающий многолетие на купеческих именинах» написана Николаем Невревым в 1866-м году.

Как правило, чин протодиакона получали люди с хорошим музыкальным слухом и незаурядными голосовыми данными. Случалось, что своими способностями они не уступали известным оперным певцам. Кое-кто из публики даже специально приходил в кафедральный собор, чтобы не столько присутствовать на службе, сколько послушать редкой мощи голос священнослужителя.

В царской России приглашать на семейные праздники особу духовного звания было доброй традицией, которую с удовольствием соблюдали представители состоятельных слоёв общества. Священник провозглашал «Многая лета!» виновнику торжества, хозяевам и остальным домочадцам.

На холсте изображён кульминационный момент пения. Сжав кулаки и вскинув лицо к потолку, диакон завершает распев и самозабвенно тянет последнюю ноту. Окружающие глядят на него со смесью ужаса и восторга. Женщины и дети реагируют спокойнее, тогда как мужчины, разгорячённые обильной выпивкой, составили импровизированный хор и с воодушевлением подтягивают мотив за солистом. Седой господин, сидящий слева, разводит руками, как бы признавая, что это заздравное приношение лучшее из тех, что он слышал за долгую жизнь.

Сегодня полотно хранится в коллекции Государственной Третьяковской галереи.

Тонкий утренний туман окутывает море, скрывая горизонт и смягчая очертания предметов. В сиянии восходящего солнца медленно плывет парусник, а у берега двое рыбаков в лодке замерли в ожидании улова. На утесе, под сенью стройных пиний, стоит небольшая часовня — композиционный центр картины «Туманное утро в Италии» Ивана Айвазовского, написанной в 1864 году.

Картина передает тихое величие средиземноморского утра. Контраст мягкой световой дымки и четких силуэтов деревьев и строений создает ощущение хрупкости момента. Айвазовский использует отражения на воде, чтобы подчеркнуть глубину пространства и атмосферу ожидания.

Иван Константинович Айвазовский (1817–1900) — русский живописец-маринист, один из крупнейших мастеров морского пейзажа XIX века. Его творчество отличается виртуозной передачей света, воздуха и движения воды. Художник создал более шести тысяч полотен и оставил значительное наследие, став символом романтического морского искусства.

Картина хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге.

Меня зовут Александр. Четыре года назад я взял в руки молоток, а в сердце – веру. Из заброшенного дома мы сделали мастерскую для особенных детей в городке Иваново. Здесь нет запаха больничных стен, уколов и страшных диагнозов. Здесь есть детский смех, тёплая глина в маленьких ладошках и вера в чудо.

В нашей мастерской занимаются дети, которым ставят жёсткие рамки «не сможет», «не получится», «не проживёт без помощи». Они лепят свои первые горшочки, расписывают керамику, ткут коврики… И каждый раз, когда им удаётся что-то новое – я вижу, как в их глазах зажигается тот самый огонёк: «Я могу!».

Но сейчас нам самим нужна помощь. Не громкая, не большая – самая обычная, человеческая. Немного глины для крошечных пальцев, которые учатся чувствовать мир. Кисточек, чтобы слабовидящие дети могли увидеть краски через свои руки. Фартучков, чтобы малыш с аутизмом не боялся испачкаться и не убегал от процесса.

Каждое пожертвование – это не просто деньги, а возможность. Возможность сохранить мастерскую, где дети с инвалидностью находят себя, растут, учатся, чувствуют, просто живут.

Каждое ваше «Да» дарит нам шанс держаться на плаву, несмотря на все трудности. Шанс и дальше зажигать в детских глазах огоньки «Я могу».

Если вы дочитали до этого момента – значит, в вас есть та самая искорка добра, что делает чудеса реальными.

Спасибо вам. За чуткое сердце. За то, что читаете. За то, что верите в нас и жертвуете ради здоровья и радости этих детей.

Всё о нашей мастерской и способы помощи здесь: https://artpositive-ivanov...

Под гулкими каменными сводами старинного замка для подвигов и славы «рождается» новый рыцарь. В отсутствие венценосного супруга посвящение (от французского "accolade") проводит прекрасная златокудрая королева. Картина «Акколада» написана британским художником-прерафаэлитом Эдмундом Лейтоном в 1901-м году.

По традиции величественный обряд разделялся на несколько этапов. Заключительную часть церемонии проводил сам правящий монарх. Кандидат, облачённый в кольчугу, становился перед правителем на колени и смиренно склонял главу. Холодная сталь ритуального клинка поочерёдно касалась рыцарских плеч. После этого человек получал знаки отличия, соответствующие его новому статусу.

На полотне помимо главных действующих лиц присутствуют молчаливые зрители. В проёме коринфской колоннады видны несколько фигур. В первом ряду стоят старый воин (возможно, отец посвящаемого), капеллан и юный оруженосец с гербовым щитом своего господина. Судя по изображению на щите, главный герой происходит из знатного и уважаемого рода: исстари орёл символизировал власть, красный цвет говорил о храбрости, а чёрный о мудрости и стойкости в испытаниях.

Сегодня картина Лейтона находится в частном собрании коллекционера.

Серое небо, словно погребальный саван, низко нависло над городом. Природа скорбит наравне с людьми. Картина «Святая Евлалия» написана британским художником Джоном Уильямом Уотерхаусом в 1885-м году.

Дева по имени Евлалия жила в Римской империи на рубеже III-IV веков. Несмотря на юный возраст, она отличалась от своих сверстников рассудительностью и воздержанностью от мирских соблазнов. В период очередного витка гонений на христиан девица имела мужество прилюдно исповедовать свою веру и обличать идолопоклонство. По приказанию правителя провинции мученицу схватили, пытали, а затем казнили. Нагое тело её было велено оставить без погребения. Однако густой снегопад как покрывалом прикрыл мощи святой.

Усопшую героиню уже сняли с креста. Ни родственники, ни сочувствующие не могут подойти и, как положено, проститься с погибшей, ибо место истязания продолжают охранять вооружённые стражники. Мастер выстроил композицию таким образом, что крестообразно лежащая девичья фигура занимает почти весь передний план, при этом середина холста остаётся практически пустой. Благодаря подобной расстановке всё зрительское внимание сосредоточено на страдалице и окружающих её вольных птицах. Белый голубь, взмывающий над не смеющей приблизиться толпой, символизирует чистую душу замученной девушки, возносящуюся в горние выси.

Сегодня полотно хранится в коллекции галереи Тейт (Лондон, Великобритания).

Искренность и непосредственность детских чувств всегда вдохновляли художников, находя воплощение в сюжетах, наполненных жизнью и теплотой. Маленькие повседневные жесты, незаметные на первый взгляд, могут рассказать целую историю о любви и привязанности. Именно такую историю запечатлел французский художник Уильям Бугро в своей картине «Нежность», написанной в 1890 году.

На картине изображены две девочки на ступеньках перед домом. Младшая из них тянется на цыпочках и ласково целует в щёку старшую девочку, обняв её за шею. Нежность и доверие, выраженные в прикосновении ребёнка, подчёркиваются спокойствием и лёгкой улыбкой старшей девочки, мягко обнимающей сестрёнку. Пространство вокруг персонажей наполнено естественным светом, подчеркивающим чистоту и трогательность момента.

Творчество Бугро отличает глубокое понимание человеческой натуры и мастерское владение техникой реализма. На полотне с точностью переданы текстуры тканей и кожи, а нежные оттенки и мягкие линии подчёркивают чувственность и тепло сцены. В «Нежности» художник раскрывает способность простых и искренних эмоций превращать повседневность в настоящее искусство.

Сегодня полотно хранится в частной коллекции.

Время на сцене трагедии замерло, словно затаив дыхание. Между героями повисло напряжение, в котором переплелись любовь, сомнение и предчувствие гибели. Именно этот драматический момент запечатлён в картине «Гамлет и Офелия» французского художника Гуго Мерле, написанной в 1873 году.

Офелия, одетая в белое платье с бирюзовой отделкой, стоит у окна в задумчивой позе. Её взгляд устремлён в пространство, а пальцы машинально касаются подбородка — жест, указывающий на внутреннюю борьбу. Позади неё — Гамлет, одетый в чёрное. Его лицо выражает страстное убеждение, как будто он только что произнёс одну из своих мрачных тирад. На поясе висит шпага, как немой свидетель мужской роли в предстоящей катастрофе.

В композиции читается чёткое противопоставление: светлая, мягкая фигура Офелии и мрачный, активный облик Гамлета. Преломлённый сквозь витражный свет, интерьер резиденции Эльсинора становится ареной, на которой разворачивается драма. Картина визуально интерпретирует ключевую сцену шекспировской пьесы, подчеркивая психологическую дистанцию между героями, которая становится всё более неодолимой.

Художник Гуго Мерле был мастером исторической и литературной живописи. В «Гамлете и Офелии» он соединяет театральность постановки с живописной точностью, передавая психологическую сложность персонажей без излишней экспрессии.

В благородном семействе намечается бурное выяснение отношений. Муж застал жену за написанием неоднозначного письма. Возможно, на случай внезапного раскрытия переписки осторожная супруга использовала в любовном послании завуалированные формулировки. Сейчас сквозь витиеватые фразы озадаченный герой пытается докопаться до сути подозрительной записки.

Картина «Перехваченное письмо» написана Федерико Андреотти в конце XIX века. Главной и единственной темой в творчестве итальянского художника было изображение ушедшей эпохи с её искусством элегантного обольщения и тонкого флирта.

Пара на полотне принадлежит к сливкам общества. Один расшитый камзол аристократа стоит баснословных денег. Вероятно, мужчина уже знаком с сомнительной корреспонденцией супруги, но всякий раз ловкой барышне удаётся вывернуться из неблаговидного положения. Она и теперь с выражением наигранной невинности на лице пытается выудить листок из руки нахмуренного рогоносца. Дама настолько уверена в успехе предприятия, что даже не потрудилась незаметно смахнуть со стола оставшийся компромат.

Сегодня картина Андреотти находится в частной коллекции.

Раздел имущества редко обходится без упрёков и обид — особенно, когда за одним столом собирается целая семья. В этом напряжённом моменте, где каждый жест и взгляд становятся аргументом, художник находит драму повседневной жизни. «Семейный раздел» — картина Василия Максимова, написанная в 1876 году.

В центре сюжета — разлад между двумя братьями, делящими крестьянское имущество на глазах у всей семьи и деревенских старшин. Мужчина в синей рубахе с негодованием обращается к старшим, заступаясь за свою жену, но это только усиливает напряжение. Молодая женщина стоит с опущенной головой, её поза выражает обиду и внутреннее бессилие. По сравнению с жёсткой и властной старшей невесткой, она выглядит беззащитной и униженной — словно заранее понимает, что справедливости не добиться. Между ними лежат свёртки тканей, меха, сбруя — символы спора, к которым прибавлен хлеб с ножом на столе: прямое указание на делёж и окончательный разрыв.

Максимов, представитель критического реализма, точно схватывает бытовой конфликт, превращая его в сцену с почти театральной напряжённостью. Его интерес к жизни крестьян проявляется в честном взгляде — с вниманием к деталям и правде характеров.

Сегодня картина находится в Третьяковской галерее.

Давая обещания, следует быть готовым к тому, что рано или поздно их придётся исполнить. Картина «Саломея» написана немецким художником Ловисом Коринтом в 1900-м году.

В Евангелиях от Матфея и Марка описывается печальная история расправы над Иоанном Крестителем. Правитель Галилеи Ирод Антипа давал пир в честь своего дня рождения. По случаю праздника его падчерица танцевала и настолько угодила гостям и отчиму, что тот приказал ей просить за своё искусство любой награды. По наущению матери, сожительствующей с тетрархом, Саломея попросила главу томящегося в темнице пророка. Жестокая просьба была удовлетворена.

На холсте изображён момент страшного подношения. В глубоком блюде синего стекла лежит честная глава христианского мученика. Разряженная полуобнажённая девица прикасается к мёртвому лицу тонкими белыми пальцами, унизанными драгоценными перстнями. С меча палача стекает алая кровь, а рабы ещё не успели вынести из царских покоев обезглавленное тело.

Взгляд главной героини затуманен. Не то неистовая пляска, не то лицезрение жуткого дара точно погрузили её в транс. На заднем плане видны ещё две женские фигуры. Прислужница с веером из перьев павлина застыла, словно скорбное изваяние. Женщина справа, наоборот, довольно ухмыляется. Возможно, это и есть Иродиада, незаконная супруга Ирода, только что избавившаяся от своего обличителя.

Сегодня полотно хранится в Германии в коллекции Музея изобразительных искусств Лейпцига.