😬 В Горном Алтае местные жители оперативно поймали туристов, изрисовавших скалы, и заставили убрать за собой "живопись"

💬 — "Вчера мы публиковали обращение от жительницы села Акташ, которая в районе ретранслятора заметила мужчину, рисовавшего на скалах. Его нашли, утром местные жители отвезли его на ретранслятор и заставили все стирать. Такие дела", — сообщает канал "Новости Горного Алтая".

Время собирать урожай и... рисовать натюрморты

Сегодня в рубрике #живопись_ЦИ собрали произведения из коллекции Эрмитажа.

1.«Натюрморт с медной посудой, овощами и фруктами». Корнелис Якоб Делф, 1615-1620 год;
2.«Натюрморт с рёмером и фруктами». Рулоф Кутс, 1623 год;
3.«Натюрморт с цветами и закуской». Георг Флегель, между 1630 и 1635-м;
4.«Натюpморт с вишнями и сыром». Иозеф Плепп, 1632 год;
5. «Натюрморт с виноградом». Адриан ван Утрехт, 1640-е;
6.«Плоды и омар на столе». Франсуа Рейкхалс, 1640 год;
7.«Десерт». Виллем Калф, 1653-1654 годы;
8. «Натюрморт с виноградом». Микеланджело дель Кампидольо, XVII век;
9. «Натюрморт». Каролина Фридерика Фридрих, конец XVIII- начало XIX века.

🏛 Сочинский художественный музей имени Д.Д. Жилинского #Сочи

📌 В музее собрано около 6000 экспонатов античного, русского, советского, зарубежного искусства по разделам: живопись, графика, скульптура, декоративно-прикладное искусство, художественные промыслы.

📍 Координаты - 43.576327, 39.728463

Прогулка по удивительным местам Павловского парка

Резиденция Павла I в любое время года превращается в настоящую сказку. А ландшафты, изящные статуи, мосты и архитектура украшают это сказочное королевство.

1. Павильон Трёх граций
Последнее произведение Чарльза Камерона в Павловском парке. Павильон находится у самого дворца, к нему ведет центральная садовая аллея. Здание павильона представляет собой античную классическую архитектуру. Это 16-колонный ионический портик с двускатной крышей и фронтонами с обеих сторон, которые украшают барельефы с изображением Аполлона с лирой и другими атрибутами искусства, и богини мудрости Минервы с эмблемами силы и славы.

2. Собственный садик
Небольшой садик спроектирован по образу регулярных французско-голландских садов с четкой геометрической планировкой, что выделяет его среди общего пространства пейзажного Павловского парка. Территорию сада украшают правильные цветочные клумбы, стриженные липы, мраморные статуи и бюсты. Пространство сада создавали известные архитекторы, художники и мастера ландшафта конца XVIII — начала XIX веков: Камерон, Виолье и Визлер.

3. Большая каменная лестница
Лестница спроектирована по проекту архитектора Винченцо Бренна, который умело использовал характер ландшафта при ее создании. Лестница состоит из 64 ступеней и ведет от Павловского дворца в долину реки Славянки. Большую каменную лестницу на крутом береговом склоне украшают две пары лежащих львов: мраморная и чугунная.

4. Молочный домик
Молочня была построена архитектором Ч. Камероном севернее от центральной аллеи парка в «швейцарском вкусе», по аналогии с планом Молочни герцога Вюртембергского, присланного лично Марией Федоровной из заграничного путешествия по Европе. Стены Молочного домика сложены из булыжников, а крыша - из соломы. В одной комнате держали редких коров, а оставшиеся две были отведены под гостиную и пространство для переработки молока.

5. Колоннада Аполлона
Одно из первых сооружений Чарльза Камерона в Павловском парке. Колоннада возвышается на одном из противоположных дворцу берегов реки Славянка словно настоящее святилище греческого бога-покровителя всех искусств. Сооружение состоит из двойного кольца дорических колонн, а по центру установлена копия статуи Аполлона Бельведерского.

6. Холодная ванна
На левом берегу реки Славянки, между Колоннадой Аполлона и Храмом дружбы спряталась летняя баня. Раньше она использовалась по назначению. Теперь же это одно из архитектурных достояний Павловского парка, выполненное в виде классической ротонды с куполом. Внутри Холодной ванны находятся круглый зал с бассейном, фонтаном и прямоугольной раздевалкой.

7. Амфитеатр
Каменный театр под открытым небом является замечательным произведением садово-паркового искусства. Архитектор Винченцо Бренна спроектировал такую площадку, которая представляла собой террасу с кулисами, в роли которых выступали деревья. На площадке были места и для оркестра.

8. Пиль-башня
Круглая постройка с соломенной крышей и разрушенной лестницей, является одним из самых романтичных мест Павловского парка. Внутри Пиль-башни раньше находился роскошный салон для отдыха после купания в Холодной ванне, которая располагалась рядом. Салон был декорирован лепкой и живописью, с мраморным камином, и удивительной мебелью. Наименование «башни» павильон получил либо из-за своей вытянутой формы, либо, по другим соображениям, из-за «пильной мельницы», которая якобы располагалась здесь в XVIII веке.

9. Тройная липовая аллея
Аллея занимает центральное место в композиции парка. Она ведет от дворца к Парадному полю и служит парадным подъездом ко дворцу. Аллея разделена на три части из рядов вековых лип. По широкой центральной дорожке раньше ходили экипажи, а по двум боковым устраивали пешие прогулки.

Реликварии с мощами святых и почему так была распространена живопись в средние века.

В средние века были очень распространены ларцы, в которых хранили мощи святых. Они назывались реликварии.

Простой простолюдин мог прикоснуться к ним в церкви, а богатые и знатные имели возможность заказывать у известных мастеров и хранить у себя во дворцах. В реликвариях хранились части тела святого, а сам ларец обычно расписывали изображениями из жизни святого. Делалось это не просто так! Средневековье — это время, когда грамотными были единицы, а доносить волю государя и церкви, воспитывать подданных можно было только через изображение. Папа Григорий Великий (590–604) писал, что изображения — это «писания для простецов».

Остановлюсь на изображении одного из ларцов, история которого мне показалась более чем интересной.

Ларец-реликварий святой Валерии — покровительницы Аквитании. Если рассматривать роспись данного ларца слева направо, то, даже не зная текста Библии, мы можем узнать историю этой женщины. Произошло это на территории сегодняшней Сирии. Являясь христианкой, она получила от наместника Рима предложение стать его супругой, а в случае отказа он грозился ее казнить. Не желая принимать язычество, она отказала ему. Тогда грозный правитель приказывает казнить ее, отрубить голову. Палач производит казнь, но происходит чудо. Валерия подхватила свою упавшую голову и принесла ее к алтарю, за которым служил литургию святой Марциаль.

Вся жизнь того времени была пронизана верой в чудеса, и данная история была действительностью того времени.

© Валерий Кругликов, 2025
"PRO History | История"

⛪Потолки Сикстинской капеллы в Ватикане

Площадь росписи — 40 м в длину на 13 м в ширину. Микеланджело Буонарроти начал роспись капеллы в 1508 году и завершил в 1512 году.

Фрески иллюстрируют эпизоды из библейской Книги Бытия, а также другие сцены и персонажей Ветхого Завета и классической мифологии.
#искусствоFactpedia #интересныеФакты #живопись #роспись

Часто я задумываюсь: «В чём же миссия художника и истинный смысл появления живописи в человеческом обществе?»

Возможно, это как в стихе Шарля Бодлера о красоте:
«Ты Бог иль Сатана? Ты Ангел иль Сирена?
Не всё ль равно: лишь ты, царица Красота,
Освобождаешь мир от тягостного плена,
Шлёшь благовония и звуки, и цвета!»

Всё же я не совсем согласна с Бодлером и считаю, что красота пришла от Бога и является Его отражением в этом мире, поэтому имеет изначально высший и духовный смысл, дарующий светлую надежду.

Я убеждена, что смысл появления живописи в мировой культуре заключается в её способности фиксировать и передавать идеи и эмоции, красоту мира и ценности эпохи, служить средством самовыражения, познания и эстетического наслаждения, а также играть важную социальную и духовную роль, формируя мировоззрение людей и обогащая их внутренний мир. Живопись развивалась как способ отражения реальности и выражения внутреннего мира человека, выполняя множество функций — от декоративной до идеологической и терапевтической.

Основные смыслы появления живописи, как я их вижу:

1. Самовыражение и передача идей
Живопись позволяет художнику выразить свои мысли, чувства и видение мира, которые могут быть недоступны для понимания другими людьми без творческого подхода.

2. Фиксация и отражение реальности
С помощью живописи человек может запечатлеть красоту окружающего мира, исторические события и повседневную жизнь, сохраняя их для будущих поколений.

3. Познание и понимание мира
Искусство, включая живопись, открывает новые перспективы, помогает понять физический и метафизический мир, а также способствует развитию общества и мышления.

4. Эстетическое удовольствие и украшение
Живопись является средством удовлетворения потребности человека в прекрасном, способна украшать интерьер, создавать уютную атмосферу и приносить радость.

5. Социальная и духовная функция
Живопись может выполнять идеологическую, религиозную, воспитательную и документальную функции, отражая ценности общества и эпохи.

6. Терапевтическое воздействие
Процесс рисования и созерцание картин могут оказывать положительное психологическое воздействие, помогая справиться со страхами, тревогами, а также способствовать гармоничному развитию личности.

7. Формирование внутреннего мира
Живопись способствует формированию художественного вкуса, развивает творческие способности и помогает человеку найти душевную гармонию.

Так что пользу от живописи невозможно переоценить в этом мире. Она важна и для души, и для интеллектуального развития, и для физического здоровья.

С глубоким уважением к вашему пути,

Амрита Шелковникова

18 сентября - день бесплатного посещения Государственного биологического музея имени К.А. Тимирязева. В экспозиции представлены уникальные препараты по аномалиям развития, анималистическая живопись, пластические антропологические реконструкции, диорамы, морские раковины, муляжи грибов и многое другое.

Адрес: Малая Грузинская улица, дом 15, строение 1

18 сентября - день бесплатного посещения Государственного биологического музея имени К.А. Тимирязева. В экспозиции представлены уникальные препараты по аномалиям развития, анималистическая живопись, пластические антропологические реконструкции, диорамы, морские раковины, муляжи грибов и многое другое.

Адрес: Малая Грузинская улица, дом 15, строение 1

Бесплатные билеты

https://bilet.mos.ru/event...

Авторская живопись, парфюм с запахом полыни и тумана после дождя, керамика в наивном стиле, спортивная одежда с ироничными принтами, «огненные» закладки для книг и украшения не как у всех...

Предлагаем познакомиться с мастерами октябрьского маркета заранее, чтобы не упустить ту самую вещицу с осенним вайбом.

Посмотреть: vk.cc/cPq2AT
Почитать: vk.cc/cPq3bE

Ждем вас 11 и 12 октября, оба дня с 12 до 20:00
Где: малый зал Artplay, Нижняя Сыромятническая 10, строение 7

Вход свободный!

Романтическая осень — многослойная живопись маслом лессировками

Создайте нежную, светящуюся изнутри картину: река, золотое дерево и целующаяся пара. Никаких толстых слоёв: работаем с аккуратной гризайлью без мёртвого слоя, затем — прозрачные лессировки, тонкие велатуры и лёгкие световые акценты. 40 уроков по ~60 минут от художника Амриты Шелковниковой — от пустого холста до аккуратного финиша. Цена 7000₽

Что вы освоите
- Простую многослойную технику с гризайлью без мёртвого слоя: монохромный тоновый подмалёвок (гризайль), затем последовательные лессировки, велатуры и финальные акценты без пастозности.
- Чистый осенний колорит: тёплые золота и охры, прохладная вода, мягкие тёпло‑холодные переходы без «грязи».
- Свет и воздух: глубина за счёт прозрачных слоёв, мягкие края, блики и рябь на воде.
- Работа с сюжетом: композиция реки, дерева и пары; упрощение форм и создание милого романтического настроения.
- Безопасная технология: правило «жирное по тощему», межслойные паузы, щадящие медиумы и финишная защита.

Структура курса
- Уроки 1–6: материалы и подготовка основы, имприматура (лёгкое тонирование), простая разметка и компоновка, блокировка крупных пятен и тоновой разбор в гризайли.
- Уроки 7–20: первые цветовые лессировки поверх гризайли по небу, воде, листве и фигурам; настройка тонов и колорита.
- Уроки 21–32: велатуры для мягкой дымки и глубины; блики и рефлексы на воде; листья и веточки без перегруза фактурой; силуэт и детали пары.
- Уроки 33–38: объединяющие лессировки, гармонизация цветовой гаммы и краёв.
- Уроки 39–40: финальные микроакценты, рекомендации по сушке, защита и презентация работы.

Формат и результат
- 40 уроков, каждый ≈ 1 час. Онлайн, в записи — учитесь в своём темпе.
- Итог: милая светящаяся картина «Романтическая осень» (река, осеннее дерево и целующаяся парочка) и понятный, повторяемый алгоритм: гризайль + тонкие лессировки без мёртвого слоя.
- Уровень: лёгкий. Подходит начинающим и тем, кто хочет писать маслом без толстых фактур.

Для кого
- Новички и уверенные любители, которым близки чистый цвет, мягкие переходы и аккуратная многослойность.

Автор курса: Амрита Шелковникова.
Готовы написать свою «Романтическую осень»? Пишите Марии Мария Селиверстова

Идёт набор на курс с тыквой!

Классическая живопись подробно. Мастерство, после которого каждый поборет в себе синдром самозванца и сможет сказать "Я действительно умею рисовать, потому что понимаю, как техчески правильно работать со слоями и цветом!"

Вы сможете давать отпор критикам, которые уверяют вас, что рисовать вы не умеете, потому что будете понимать, что и как вы делали, ведь на курсе вы укрепите законов живописи.

Записывайтесь на курс обязательно, очень ценная информация по невысокой для такого курса цене 5000₽.

Пишите Мария Селиверстова

📷Распаковка картины «Мона Лиза» в конце Второй мировой войны. Полотно, эвакуированное из Лувра, вернулось в музей после долгих лет в безопасности.
#ИнтересныеФакты #живопись #историяFactpedia

ЗНАЕТЕ, ПОЧЕМУ СКЕТЧИНГ — ЭТО ДЛЯ ВАС?

Сейчас расскажем, почему мы так уверены в том, что скетчинг — это для вас, что у вас точно всё получится, что вы покажете блестящие результаты, и
что вы точно будете очарованы этим направлением⤵️

💡скетчинг — уникальный жанр, в котором совершенно неважен ваш возраст, ваш опыт и ваше художественное образование. Самое главное — это ваше желание и стремление достичь результата!

💼скетчинг — это не просто хобби, но ещё и профессия. Вообще, умение создавать скетчи востребованно в самых разных сферах: архитекторы, художники, художники-постановщики, иллюстраторы, мультипликаторы, дизайнеры одежды и интерьеров, и т.д.

🖌️скетчинг — это самые простые материалы, которые всегда есть под рукой (а если нет, то можно купить, ведь акварель один из самых бюджетных материалов для творчества)

🧑🏻‍🎨скетчинг — это настоящее искусство набросков, а это именно та база, на которой строится вся живопись (обязательно найдите в интернете скетчи известных мастеров вроде Да Винчи или Фриды Кало — это очень занимательно и интересно)

🫂Скетчинг — это для всех, и это целый особенный мир, в который просто невозможно не влюбиться!

ПРЕДЛАГАЕМ УБЕДИТЬСЯ ВО ВСЕМ ВЫШЕПЕРЕЧИСЛЕННОМ САМОСТОЯТЕЛЬНО — ПРИХОДИТЕ НА НАШ БЕСПЛАТНЫЙ МАРАФОН, который пройдет 10, 11 и 12 сентября — https://mankov.online/mara...

Мы будем вас очень ждать🤍

🇷🇺🇰🇵 Картины с выставки искусств КНДР в Москве

Выставка «Художественная выставка КНДР. Страна великого народа» открылась во Всероссийском музее декоративного искусства в Москве.

В экспозиции представлено 123 произведения, включая корейскую национальную живопись (Чосонхва), гравюру, керамику, мозаику и вышивку, которые ранее не демонстрировались в России.

Учительский труд – благородное, но непростое занятие, на которое в одинаковой степени требуются как моральные, так и физические силы. Картина «Заснула» написана Борисом Кустодиевым в 1896-м году.

В комнате юной учительницы стоит звенящая тишина. Готовясь к завтрашним урокам, утомлённая девушка незаметно для самой себя задремала. Голова медленно опустилась на руку, веки крепко сомкнулись, и наступил короткий миг незапланированного, но такого желанного отдыха.

Начинающий живописец писал композицию с натуры. Моделью послужила старшая сестра художника Екатерина Михайловна. По окончании положенных гимназических классов она на 3 года отправилась в Санкт-Петербург, где обучалась на Педагогических курсах. Одолев науку и получив звание домашней наставницы, Катя вернулась на малую родину и поступила на должность преподавателя математики Мариинской женской гимназии.

Произведение с документальной чёткостью воспроизводит как облик героини, так и интерьер её комнаты. Портретное сходство подтверждается сохранившимися фотографическими снимками. Рабочее место даёт представление об интересах девушки. Помимо книг и конспектов на столе в стакане стоят карандаши и кисти – отсылка к семейному увлечению живописью. Именно Екатерина, художник-любитель, привила брату любовь к искусству и привела будущего мастера в художественную студию Павла Алексеевича Власова.

Сегодня работа хранится в Астрахани в коллекции Дома-музея автора.

Усьвинские столбы | Восхождение | 13–14 сентября

Бывают в мире такие уголки, где не достают назойливые звонки и сообщения, воздух пропитан чем-то ободряющим, а с вершины открываются такие виды, которые можно показывать вместо сказки на ночь.

Будем гулять по Каменному городу. Кто-то зовет его Чертовым Городищем, кто-то — Черепахами. Мы думаем, что это скорее древний небоскребный квартал, который строили ветер и вода. Архитекторы, конечно, без диплома, но результат — топчик.

Поднимемся на вершину Усьвинских столбов — это визитка Прикамья. В лесу тишина, на обрыве панорама, как живопись гениального художника. Сделаешь фото — и жди миллион восторженных вопросов, а куда это ты съездил.

Дата: 13–14 сентября
Цена: 8 900 ₽ (детям до 12 — 8 300 ₽)
Обрати внимание, что мы принимаем оплату через PayKepper по QR-коду или на озон карту Ксении Николаевны Г. Если тебе предлагают оплатить бронь другими способами — это мошенники.

Пиши Ирине Тайговой — и поехали туда, где камни знают толк в градостроительстве лучше, чем некоторые застройщики.

«Больше металла – больше оружия!»

6 сентября 1908 года родился график и плакатист Николай Аввакумов.

В 1942 году он ушёл добровольцем на фронт, работал художником-корреспондентом газеты «Фронтовик». Аввакумов создавал газетные рисунки, листовки, портреты, боевые листки, стенгазеты и многое другое.

Его плакаты «Больше металла – больше оружия!», «По вражьей земле. Вперед к Победе!», «1918-1945. Мы нашу армию растили в сраженьях…» и многие другие поддерживали солдат и рабочих в тяжёлые фронтовые годы.

Николай Аввакумов прошёл войну, но умер через несколько месяцев после Победы – 8 декабря 1945 года.

Публикуем плакаты Николая Аввакумова в рубрике #Живопись_ЦИ

Эта фотография советского военнослужащего срочной службы в 1976 году заставила заговорить о себе весь мир. Первой её напечатало на всю полосу британское издание Daily Mail, крайне негативно настроенное в то время против Советского Союза. И сопроводило подписью, заставившей заинтересоваться этим фото едва ли не весь мир.

Сделал снимок известный сегодня фотограф Владимир Вяткин, шестикратный лауреат международного фотоконкурса World Press Photo. И лишь спустя 20 лет сам Владимир Вяткин узнал о трагической судьбе своего героя.

В детстве Владимир Вяткин был увлечён музыкой и живописью и собирался стать профессиональным искусствоведом. Но уже подростком он попал на выставку «Интерпресс-фото – 66». Среди множества представленных фотографий школьнику больше всего понравились портреты, автором которых был Василий Малышев. А Владимир понял самое главное: он хочет всю жизнь заниматься вовсе не искусствоведением и даже не живописью. Он хочет делать такие фотографии, которые заставляли бы людей плакать и смеяться, думать и наслаждаться каждым мгновением жизни.

Правда, после окончания школы он не мог себе позволить учиться, так как финансовое положение семьи было совершенно безрадостным. Вчерашний выпускник устроился на работу фотолаборантом в Агентство печати «Новости». В 1971 году он был призван на срочную службу в ряды Советской армии, где попал во Вторую гвардейскую Таманскую мотострелковую дивизию. Именно там он и повстречал своего героя, чья фотография впоследствии облетит весь мир.

Владимир Кусеров, ровесник Владимира Вяткина, до призыва в Вооруженные силы работал в цирке силовым акробатом, а в армии попал в 5-ю роту 406-го полка Таманской дивизии. Эта рота была особенной, в ней собрали талантливых ребят, сформировав своеобразный ансамбль песни и танца.

Солдаты после боевой подготовки переодевались и отправлялись на репетиции, давали концерты. Владимир Кусеров был не только удивительно красив внешне, он отличался от ровесников какой-то необычайной взрослостью, он казался гораздо старше своих лет, а сослуживцы относились к нему с большим уважением.

Легендарный снимок был сделан совершенно случайно, когда солдаты возвращались с учений. Все были уставшими, Владимир шёл чуть впереди своего сослуживца-фотографа, в какой-то момент он обернутся, и его тезка сделал фотографию. Снимок получился не только красивым, но ещё и очень удачным по техническим параметрам и композиции. После окончания срока службы солдаты разъехались по своим домам, Владимир Вяткин и Владимир Кусеров ничего не знали друг о друге, но у сделанного во время службы в армии снимка была своя, особенная судьба.

«Советский солдат, который не хочет воевать».

Демобилизовавшись в 1973 году, Владимир Вяткин вернулся на работу в АПН, где впоследствии стал специальным корреспондентом. Через три года его коллега Борис Кауфман, который был не только фотокорреспондентом, но ещё и парторгом, должен был везти в Лондон выставку работ советских фотографов. Но фотография Владимира Кусерова, которую Владимир Вяткин назвал «Солдат» не прошла цензуру, так как военнослужащий срочной службы на ней был подстрижен не по уставу.

Борис Кауфман, профессионал высочайшего уровня, смог оценить по достоинству композицию и красоту снимка, а потому всё же взял «Солдата» в Англию на свой страх и риск. И надо же было такому случиться, что именно эта фотография привлекла внимание западных зрителей. Снимок получил широчайший резонанс вместе с демонстрировавшейся на той же выставке фотографией Валерия Генде-Роте. Фото, сделанное Владимиром Вяткиным, занимало всю полосу газеты Daily Mail и сопровождалось подписью: «Мы впервые видим русского солдата, которому не хочется воевать».

Естественно, после возвращения в Москву Бориса Кауфмана, самовольно выставившего снимок, ждал серьёзный разговор с руководством, кажется, даже дошло до выговора. Зато «Комсомольская правда» полностью перепечатала публикацию британских коллег, благодаря чему Владимир Вяткин получи свою первую порцию славы и признания.

Судьба не солдата, но циркового артиста.

После выставки прошло всего пару месяцев, когда в редакцию АПН обратилась женщина, разыскивавшая Владимира Вяткина. К счастью, фотограф в тот день был дежурным, а потому уже через час общался с незнакомкой. Она приехала со снимком Владимира Кусерова 1971 года, тем самым, который напечатали сначала в Daily Mail, а потом – в «Комсомолке».

Убедившись в том, что перед ней сидит фотограф, сделавший снимок, женщина стала просить разыскать самого солдата. Она была уверена, что на фотографии – молодой человек, который летом на море попытался спасти её тонувшую дочь. К сожалению, девушка потеряла сознание, а после, видимо, захлебнулась водой, так как спаситель вынес на берег уже её тело. Он провёл в воде больше 20 минут, в то время как остальные свидетели случившегося наблюдали за происходящим с берега, так как море сильно штормило. На фотографии, она уверена, был именно тот человек, благодаря которому она смогла похоронить дочь.

Владимир Вяткин внимательно выслушал собеседницу и рассказал о том, что с парнем с фотографии не виделся со времён службы в армии, знает только, что он работает в цирке и, скорее всего, находится не в Москве. Он был просто уверен, что женщина ошиблась, но пообещал разыскать героя. К сожалению, его догадки подтвердились. В цирке, куда позвонил фотограф, ему сообщили, что Владимир Кусеров находится на зарубежных гастролях уже более полугода. Вяткин перезвонил женщине и рассказал о том, что солдат со снимка не мог быть на море тем летом.

О судьбе своего сослуживца он узнал почти двадцать лет спустя, когда снимал семью цирковых артистов. Они-то и рассказали ему о трагедии, случившейся с его сослуживцем. Владимир Кусеров после демобилизации работал цирковым акробатом, потом делал номера с медведями, а затем увлёкся воздушной гимнастикой. Номера его были интересными и вдохновенными, он часто выезжал с гастролями за рубеж. И однажды в Чили он сорвался из-под купола цирка на репетиции и разбился насмерть.

Владимир Вяткин впоследствии не раз слышал от многих своих коллег о том, что фотография «Солдат», несомненно, одна из лучших его работ. Впрочем, он не спорит. У этого снимка нет никаких наград, но для самого Владимира Юрьевича он представляет особую ценность. И он мечтает о том, чтобы фотография получила какую-нибудь, пусть даже бронзовую медаль. В память о том человеке, который на ней запечатлён.

Владимир Вяткин фотографирует вот уже более полувека. Его работы отличаются оригинальностью и особым взглядом, поэтому не раз были отмечены на конкурсе World Press Photo, который проводится с 1955 года.

Напишите в комментариях, что Вы думаете по этому поводу?

«Собаки во фиорде Кангердлуарссук», Рокуэлл Кент

1933 г. Холст, масло. Размер: 86х112 см. Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина

Героико-эпическое восприятие природы и человека нашло наиболее совершенное воплощение в произведениях гренландского периода в творчестве художника. Большинство гренландских картин выдержано в одном тональном ключе: сдержанном, суровом, холодном. Живопись Кента беспристрастно фиксирует природу «края Земли»: бесконечный простор океана, ледники, обрывистые утесы – эти самые неприютные места земного шара.

Картину «Собаки во фиорде Кангердлуарссук» художник написал во время своего второго – довольно продолжительного - визита в Гренландию. Он обзавелся здесь собственным жилищем, друзьями, любовницей из местных. Собаки, изображенные на картине, - его собственные. К тому времени у Кента было 16 ездовых собак, он был заправским погонщиком.

Иллюстрации Рафаэля Альвареса со смыслом

Молодой испанский художник Rafael Alvarez не перестает удивлять поклонников новыми интересными проектами.
#история_живопись

Палитра Рембрандта

Продолжаем обзор палитр великих художников. С вами Амрита Шелковникова!

Я впервые по-настоящему поняла Рембрандта не в книге и не в учебной аудитории, а в полумраке зала Эрмитажа, у «Возвращения блудного сына». Подойдя почти вплотную, я увидела не ту «черноту», в которой так легко обвиняют голландцев, а ту самую тёплую, дышащую темноту, сплетённую из охр, умбр и лессировок. И ещё — рельеф. Свет у Рембрандта не написан, он вылеплен: высокие гребни белил на лбу, щёки, утоплённые в красноватые полутени, шершавая искра на кольце. С этого и начался мой долгий разговор с его палитрой.

Если разложить его краски на моём столе, получится удивительно короткий ряд — почти монастырская дисциплина цвета:
- свинцовые белила, тёплые и пластичные, как хороший хлебный мякиш;
- жёлтые: свинцово-оловянная жёлтая (тот самый солнечный отблеск в бликах) и охры;
- земли: сиена и умбра — сырые и жжёные, от холодно-горькой до шоколадно-тёплой;
- красные: киноварь для резких акцентов и красные лаки (мадеровые) для живой крови полутонов;
- чёрные: прежде всего костяной чёрный, иногда сажистый — для мягких, тянущихся теней;
- синие: смальта для серых прохлад и изредка природный ультрамарин — как роскошь, как жест особого случая.

Зелёных у Рембрандта почти нет; вместо них — смесь чёрного с жёлтым, понемногу — зелёная земля. И это, пожалуй, главный парадокс: при почти отсутствии зелёной краски его картины полны воздуха. Воздух там рождается не из «цветности», а из температуры нейтралей — из того, как тёплые коричневые обнимают прохладные серые.

Что делает эту палитру рембрандтовской? Во-первых, опора на земли. Земляные пигменты — охры, сиены, умбры — дают не просто «коричневый», а мягкую, податливую архитектуру тени. С ними почти невозможно сорваться в грязь, если держать палитру дисциплинированной: всё смешивается сродни, как вино с водой. В тени у Рембрандта редко живёт чистый чёрный; чаще это затаившиеся охры, припудренные костью, с влажным отблеском лессировки. Поэтому его темнота не плоская, а глубокая, как колодец.

Во‑вторых, свинцовые белила. Это не просто «белая краска», а скульптурный материал. Свинец даёт вязкость и упругость, позволяя наращивать гребни света, которые реально торчат над поверхностью. Пальцем или торцом кисти он мог сдвигать такую вершинку белил — и свет, отражаясь, начинал искрить физически, а не «иллюзорно». И ещё — белила у него редко бывают «чисто белыми»: часто в них чуть‑чуть свинцово‑оловянной жёлтой или охры. От этого свет выходит тёплым, человечным, без синевы больничной простыни.

В‑третьих, смальта. Этот стеклянный синий — небесная крошка, которая любит стареть: со временем она сереет, теряет яркость. Поэтому наши сегодняшние глаза видят у Рембрандта больше коричневого, чем видели его современники; многое, что было чуть голубее, теперь как бы припало пылью. Но именно смальта — не агрессивная, а мягко охлаждающая — позволяла ему строить прозрачные холодные полутени и серые, в которых звучит кожа.

Технически его живопись — это музыка слоёв. Основа — тёплый грунт. На холст он часто наносил двухслойный грунт: внизу — светлая масляная подушка, сверху — коричневатая, охристая имприматура. Уже эта имприматура объединяет будущее полотно: никакой белой пустоты, всё слегка затеплено, как бумага старой книги. Дальше — «мёртвый» слой, doodverf: нейтральная постановка светотени без лишней цветности. И только затем начинается жизнь — лессировки и плотные тела мазков, их чередование.

Лессировка у Рембрандта — это дыхание. Тонкие слои лака с органическими красными — мадеровые, иногда — киноварь — дают в коже мерцание крови. В полутенях лица вы найдёте зеленовато‑серые намёки (смеси охры, чёрного, иногда — зелёной земли), которые приглушают розовый и заставляют тёплые блики вспыхивать сильнее. В тенях одежды — тёплые коричневые лессировки, в которых будто растворены истории, непроговорённые до конца.

А поверх — плоть мазка. Его знаменитые золотые блики на рукавах и украшениях — это не «жёлтая краска», это смесь белил, свинцово‑оловянной жёлтой, иногда с добавками минеральных наполнителей, вроде толчёного кварца, — чтобы мазок держал ребро, чтобы он не сползал, а стоял шершавой горкой. Эти «горки» ловят свет в музейном зале так, как листики позолоты ловят отблеск свечи.

Ещё одна рембрандтовская тайна — края. Он мастер «потерянных и найденных» границ. Там, где ему не нужно привлекать внимание, края распадаются в полумрак, растворяются в объединяющей имприматуре и лессировке. Там же, где важен жест, взгляд, кромка ткани, — возникает резкий, уверенный мазок, иногда процарапанный обратной стороной кисти по влажной краске. Этот контраст резкого и растворённого создаёт дыхание пространства без всяких перспективных ухищрений.

Многие спорят: тёмный ли он, мрачный? Для меня — нет. Он экономный. Его палитра — не бедность, а отбор. Когда ты сознательно отказываешься от десятка «красивых» тюбиков, ты начинаешь слышать, как работает температура серого. Ты видишь, что в полутоне ещё есть жизнь и не бежишь за яркими решениями. Поэтому рембрандтовский золотой свет — это не эффект лампы, а результат дисциплины: тёплый грунт, земли, мягкие «дышащие» чёрные, сдержанные холодные из смальты — и только после этого точечные искры киновари и свинцово‑оловянной жёлтой.

Есть ещё химия времени. Красные лаки склонны выгорать, смальта — сереть, природные смолы в лессировках — темнеть. Мы видим сегодня не весь диапазон его изначальных цветовых отношений. Но даже сквозь патину веков его метод просвечивает. Взять «Еврейскую невесту»: эти рукава — сотня способов сказать «золото», когда у тебя нет золотой краски. Там тончайшие лессировки поверх тёплого тела мазков, тяжёлые гребни белил, слегка подкрашенных, — и вкрапления красных, которые делают «металл» живым. Эта убедительность рождается не из блеска, а из рельефа и температуры.

Как я переношу это к себе в мастерскую? Начинаю с тёплой имприматуры — тонкого слоя охры с каплей умбры, разбавленной маслом. Делаю «мёртвый» слой нейтралями: охра + костяной чёрный, киноварь — строго для живых мест: кончик носа, губы, суставы пальцев.

Холод беру не синим «в чистом виде», а смещаю нейтраль в сторону серо-голубого — так кожа сохраняет теплоту. Света пишу густо, не щажу пастозность и стараюсь, чтобы самый яркий белый был не чистым, а тёплым — капля свинцово-оловянной жёлтой (или её современной замены) творит чудеса. В одежде ищу богатство не за счёт «цвета тюбика», а за счёт чередования фактур: лессировка — мазок — процарапанный штрих — снова лессировка.

Отдельная радость — «зелёные без зелёной»: чёрный + жёлтая охра в разных пропорциях дают целую рощу оливковых, идеальных для полутонов фона и теней на лице. Они не спорят с кожей, а подпирают её. Этот трюк я подглядела у Рембрандта и теперь почти не достаю из ящика яркие изумруды — они редко нужны.

Про связующие и блеск. Рембрандтовские лессировки дышат, потому что сделаны на хорошем льняном масле, иногда загущённом (stand oil) и с примесью смолистых добавок. Я в своей практике берегу густое масло для лессировок и берегу себя от «сладких» растворителей: лучше терпеть медленную сушку, чем получить стеклянно-мёртвую поверхность. И обязательно выравниваю блеск — тончайшим покрытием, когда картина готова: полутон надо видеть без бликов жирных пятен.

И, пожалуй, главное, что я взяла у него, — это архитектура света. У Рембрандта свет не просто «на лице»; он проходит маршрут. В «Ночном дозоре» в глаз упирается сначала свет на девочке в золотистом, затем — блеск на барабане, и ты уже внутри команды. На портретах — дорожка из трёх-четырёх акцентов: лоб, переносица, верхняя губа, мочка уха. Эти «ступени» ведут взгляд мягко и не дают блуждать. Когда я пишу, я ставлю такие «ступени» осознанно — и вся остальная палитра работает на них.

Рембрандт — это не про «чёрную краску», это про грамотную экономию. Про то, как десятью тюбиками построить мир, в котором есть воздух, кровь, ткань, металл и тишина. Его палитра — сдержанный орган, где каждая труба настроена. Земли дают тело теням, лессировки — дыхание, белила — кость света, смальта — прохладу, красные — кровь.

Всё остальное — внимание к краю, рельефу и маршруту света.

Когда в моей мастерской пахнет льняным и тихо потрескивает грунт, я помню это ощущение у «Возвращения блудного сына»: как тёплый коричневый держит мир, чтобы сияние не распалось. И тогда моя собственная рука берёт чуть меньше цвета и чуть больше воздуха — так, как учит Рембрандт.

С теплотой души, Ваша Амрита Шелковникова

Чёрный в палитре старых мастеров: когда он незаменим

Привет! С вами Амрита. Долгое время я жила под заклинанием: «Не используй чёрный — он убивает цвет». Мне это говорили и педагоги, и коллеги. И всё же каждый раз, стоя перед Тицианом, Рембрандтом или Караваджо, я видела, как именно чёрный держит пространство, как он собирает свет, как он даёт высветам звучать, а не кричать. Со временем я не просто вернула чёрный на палитру — я поняла, когда он по‑настоящему незаменим.

Старые мастера не стеснялись ни чёрного, ни белого — и в открытом виде тоже. Это была норма. Глубокие, насыщенные тона фона считались обязательными: тёмная подкладка подчёркивала свет, сохраняла чистоту общего колорита и ясность восприятия. Даже сегодня это видно на фотопортрете: на тёмном фоне лицо становится ясным светлым пятном. Леонардо иронизировал над любовью к пёстрым, открытым краскам: боязнь глубокой тени делает живопись похожей на картинки из колоды карт. Для меня это — напоминание, что смелая тьма делает видимым и благородным всё остальное.

Каким чёрным пользуюсь
Я держу в ящике несколько разных «чёрных», потому что у каждого свой характер и зона ответственности.
- Костяной/ивориевый (PBk9). Полупрозрачный, с часто холодным (синеватым) подтоном, медленно сохнет. Идеален для лессировок теней, вердаччо и сложных серых.
- Сажевый/ламповый (PBk6). Ещё более холодный, маслянистый, очень медленно сохнет. Берегу для мягких ночных пейзажей и холодных дымчатых эффектов.
- Виноградный (PBk8). Мягкий, низкой укрывистости, чуть тёплый. Хорош для подмалёвка и рисунка кистью.
- Марс‑чёрный (PBk11). Современный, плотный и тёплый, быстро сохнет, сильная укрывистость. Я использую точечно, когда нужно быстро построить тёмную форму в подмалёвке или прописать бархат.

Исторические земляные «почти чёрные» — кассельская земля/ван Дейк — дают прекрасные глубокие коричневатые тени, но они коварны: могут давать морщины и нестабильны в толстой лессировке. Я применяю их тонко и поздно по слою, а глубину чаще добираю костяным чёрным в смеси с умбрами.

Классическая последовательность старомастерской работы
- Сначала — монохромное основание, чаще коричневое: строю форму и тон без спешки в цвет.
- Затем — яркий свет, серебристые полутени и блики: впускаю воздух и объем.
- И лишь в финале — несколько цветовых акцентов: ровно столько, чтобы картина запела, но не перегрузилась хромой.
Так полотно остаётся собранным и благородным: тёмные массы удерживают колорит, а цвет звучит точечно и чисто.

Когда чёрный незаменим

1) Вердаччо для карнаций
Если вы когда‑нибудь наблюдали мраморную «живость» кожи у ранних венецианцев, вы видели вердаччо — зелёный подмалёвок. Я пишу его смесью костяного чёрного с жёлтым (свинцово‑оловянная или Неапольская, можно жёлтая охра) и каплей белил. Этот прохладный, чуть сероватый «зеленец» укрощает красноту последующих слоёв, создаёт основу для сосудистой полупрозрачности. Тёплые лессировки поверх начинают «светиться» изнутри.
Практика: тонкая, матовая прокрышка по тёплой имприматуре, без жира. Дальше — велатуры и лессировки телесных с преобладанием тёплых. Итог — внятная форма без «розовой свеклы».

2) Лессировки глубоких теней
Тени Караваджо, «ночь» Рембрандта — это не просто тёмная краска. Это ряд полупрозрачных фильтров, где чёрный смешан с умбрами, красными лаками, иногда синими, чтобы тень не умирала, а дышала. Костяной чёрный тут прекрасен: он «пьёт» масло, даёт матовый, поглощающий свет слой.
Мой рецепт: 1 часть стоячего масла к 3 частям уайт‑спирита как медиум для лессировки, минимум краски на кисти, слой — почти невесомый. Лучше пять тонких проходов, чем один жирный. И да — контроль «fat over lean»: чем выше по слоям, тем чуть жирнее.

3) Сложные серые и синева без синего
Чёрный + белила дают серые с характером. У костяного чёрного — синеватая вуаль, которая в белилах проявляется как деликатный «голубой», близкий к свинцово‑белым небесам старых голландцев. Это бесценно для нежных дымчатых тканей, перламутровых серых Вермеера и холодных рефлексов в металле.

Рабочая пара: костяной чёрный + свинцовые белила (если вы ими пользуетесь и соблюдаете технику безопасности) или титановые с каплей ультрамарина/фиолета для «намёка» на оптику свинца. Получаются серые, которые не спорят с хромой вокруг.

4) Зелёные из чёрного и жёлтого
«Чёрный не цвет» — а вот и нет. Смешайте чёрный с жёлтым — получите глухой оливковый, идеальный для дальних планов листвы, плащей, старой бронзы. Это работало у венецианцев с lead‑tin yellow, работает и сегодня с Неаполитанской, жёлтой охрой, иногда — с никель‑азо для более прозрачной зелени. Такой зелёный не «кричит», он старомастерски выдержан.

5) Бархат, мех, чёрные ткани
Рембрандт и Веласкес почти не писали «чистым» чёрным. Чёрное платье — это теплота в свету и холод в тени. Я начинаю с тёплого подмалёвка (умбра жжёная + марс‑чёрный), затем в тени — лессировка костяным чёрным с каплей ультрамарина, в полусвет — скумблинг тёпло‑серым (чёрный + белила + капля охры). Блик — не белый, а едва теплее окружения. Так ткань не превращается в дыру, а остаётся телом.

6) Потерянные края и сфумато
Когда форма должна раствориться в воздухе, никакой цвет не справится лучше чёрного: полупрозрачный, холодный и глубоко «поглощающий». Полусухой кистью, по ещё липкому предыдущему слою, я тонко «втягиваю» контур в тень, чтобы глаз перестал видеть жёсткую границу. Это техника, без которой «ночные» композиции не держатся.

7) Архитектура тональных масс
Старомастерская формула «три больших значения» требует убедительного самого тёмного. Без настоящего чёрного всё ползёт в середину, и картина начинает «бубнить». Я закладываю ключевые тёмные массы в самом начале, пусть даже тонко и прохладно. Они станут опорой для всего последующего оркестра цвета.

8) Нейтрализация хромы без грязи
Когда пигмент кричит (насыщенный киноварь, кобальт, фтало), я не добавляю в него комплементарный «до коричневого». Я отдельно замешиваю нейтраль на базе чёрного (например, чёрный + охра в разных пропорциях), и подмешиваю её малыми дозами. Так цвет сдерживается, но не «умирает».

9) Металл и стекло
Серебро не делается белой полоской на сером. Нужно пространство от почти чёрного до мягко‑серого, и только там, где блик, — жёсткая нота. Чёрный даёт глубину «провала» в отражении, без которой металл — просто серая краска. То же со стеклом: прозрачность считывается через отсутствие света, а не через белую линию по контуру.

Про контрасты и выразительность
На фоне теней и «мутных сред» яркие оттенки звучат особенно отчётливо. В живописи всё держится на контрастах:
- яркое и приглушённое
- тёмное и светлое
- круглое и угловатое
- большое и малое
- гладкое и рельефное
Это арсенал выразительных средств. Владея ими, художник создаёт атмосферу и образ, вызывает сильные чувства — от спокойствия и умиротворения до тревоги и печали. Чёрный здесь — как дирижёр: он задаёт тональность, в которую вступают цвета.

Технические заметки из мастерской
- Сушка. Карбоновые чёрные сохнут медленно. Если надо ускорить — ведите тонко, используйте свинцовые белила в смесях (они ускорят полимеризацию), избегайте жирных лессировок ранними слоями. Сиккативы — только прицельно и экономно, на верхних проходах.
- Мат vs глянец. Чёрный любит матовость: он поглощает свет и «тянет» пространство. Глянец на чёрном в тени часто разрушает глубину. Если слой блестит — аккуратно пройдитесь тонкой велатурой матового чёрного или выровняйте общий глянец ретушным лаком на финише всей работы.
- Жир по тощему. Лессировки чёрным всегда выше по жирности, чем подмалёвок под ними. Плотные чёрные мазки марсом — только на ранних стадиях, дальше — тоньше и прозрачнее.

- Кисти и подложка. Лучше всего чёрный раскрывается по слегка шероховатому грунту и имприматуре средней ценности (не по белому). Коза/синтетика для мягких вуалей, щетина — для скумблинга.

Чего избегаю
- Битумные краски и толстые чёрные лессировки. Красиво сначала, плохо потом: морщины, отставание сушки, кровотечения через слои.
- Универсального «чёрного из тюбика» на всё. В свету чернота грязнит. В теплых участках она делает мёртвый холод. Вводите его порционно, целево.
- Заглушения цвета чёрным внутри смеси. Лучше нейтрализовать через отдельный нейтральный микс и подмешивать микродозами, чем уводить цвет в беспросвет.
- Равномерной «чёрности». Чёрное платье, тень, фон — не одного цвета. Разные потоны (тёплые/холодные), разная прозрачность, разные фактуры — иначе получится плоское пятно.

Немного истории на заметку
Миф «старые мастера не использовали чёрный» — миф. Использовали, и щедро. В срезах красочного слоя Рембрандта, Караваджо, ван Дейка регулярно находят костяной/ивориевый чёрный. Вермеер нейтрализовал цвета костяным чёрным в смесях для фона и теней. Разница в том, что они обращались с чёрным как с оптическим инструментом, а не как с «самым тёмным тоном из тюбика»: тонко, послойно, с управлением потоном и блеском.

Немного о законах и «янтре»
Освоив научные законы живописи, художник перестаёт писать случайность: он сознательно управляет линиями, массами и цветами, мягко влияя на зрителя. Искусство способно визуально исцелять, направлять к свету и силе духа, заставлять задуматься о высших смыслах и — через изменение взгляда — находить выход из внешних тупиков.
Поэтому художник должен быть и философом, и знатоком законов влияния цвета, формы, композиции. Подобно режиссёру или композитору, он создаёт янтру — инструмент, вызывающий определённые вибрации в умах зрителей (санскритское «yantra» — «машина», «механизм»). Каждое полотно — своя янтра, меняющая частоты сознания. Для этого нужен не только талант, но и знание гармонии:
- золотое сечение
- цветовой круг Гёте
- перспектива
- анатомия
Это те ниточки, дёргая за которые выстраивается симфония живописи.

Личный вывод
Чёрный — это как тишина в музыке. Он делает слышимым то, что вокруг. Без чёрного барокко не дышит, кожа не сияет, золото не вспыхивает. Держите его на палитре, но в узде. Пусть он работает там, где без него не обойтись: в тенях, в нейтралях, в вердаччо, в бархате и металле. И то

Государственный музей-усадьба Остафьево

Остафьево — бывшая загородная усадьба Вяземских-Шереметевых. На рубеже XVIII-XIX веков князь Вяземский построил в Остафьево небольшой дворец в стиле классицизм, с шестиколонным портиком коринфского ордера и двумя флигелями, объединенными открытой галереей. В это же время здесь была посажена липовая аллея и разбит пруд.

В конце XX в. в господском доме был организован музей Карамзина. В наши дни это начинание продолжено — во дворце воссоздан порядок и оформление залов, кабинетов, каким он существовал во времена расцвета усадьбы: в экспозицию входят мебель, живопись, книжные издания, принадлежавшие именитым хозяевам и их гостям. В усадьбе Остафьево регулярно проводятся литературные фестивали, конкурсы, в Овальном зале дворца проходят музыкальные вечера классической музыки, разрешены платные фотосессии, аренда залов и лужаек для торжественных мероприятий.

Доступность: до 10:00 свободный вход, после 10:00 — стоимость билета от 70р.

📍Троицкая ул., 1А, село Остафьево

🎬 Смотрим фильм о жизни великого английского живописца Уильяма Тернера: «Мистер Тернер» (2014)

Он показывает художника не только гением света и цвета, но и человеком со всеми его слабостями, противоречиями и поисками.
Картина снята так, что сама напоминает живопись маслом: медленные движения, рассеянный свет, детали, в которых хочется раствориться.

Это кино не для спешки, а для тех, кто умеет вглядываться и чувствовать глубже.
После просмотра остаётся желание не просто «посмотреть», а взять кисти и краски, и попробовать передать своё собственное небо.

А вы любите фильмы о художниках? Напишите в комментариях какие вдохновили вас больше всего? 🎨

И делитесь впечатлениями после просмотра этого фильма 👆

"Испытание ведьмы на «Гусином стуле»", Чарльз Рейнхарт

Между 1867–1879 гг. Холст, масло. Художественная галерея Коркорана, Вашингтон, Округ Колумбия.

Жуткие рассказы об испытании водой можно найти во многих произведениях о колдовстве. Итересующиеся историей люди слышали о таком варварском обычае охотников на ведьм, как испытание водой.

Одним из самых жестоких способ вычисления ведьмы было ее утопление. Если колдунья действительно в сговоре с дьяволом, то вода, как один из священных элементов, вытолкнет её на поверхность, отказавшись принимать проклятую душу. А если жертва утонула — значит, невиновна. Прощаем и хороним как добрую христианку.

Именно этот момент показан на картине американского художника Чарльза Рейнхарта "Испытание ведьмы на «Гусином стуле»". Пред нами изображение обвиняемой в колдовстве старой женщины, которую опускают в воду, чтобы доказать ее вину.

Впрочем, современные историки утверждают, что распространённость такого метода несколько преувеличена.

Во-первых, в большинстве мест в Европе испытание водой было попросту незаконным. Во-вторых, даже там, где утопление подозреваемых в качестве «божьего суда» дозволялось, судьи этого действия не санкционировали. Видимо, понимали, что тест, который в любом случае убивает подсудимого, выглядит глупо.

В-третьих, даже если утопление и разрешали, испытуемого, который демонстрировал низкую плавучесть, живо вытаскивали за предусмотрительно привязанные к поясу верёвки и признавали невиновным.

Жертва погибала во время испытания водой лишь тогда, когда посторонние люди решали вершить «правосудие» над ней своими руками. Например, в 1751 году в Хертфорде (Англия) некий Томас Колли утопил 71-летнюю Рут Осборн, пытаясь перед толпой доказать её виновность в чародействе. Когда об этом узнали власти, суд присяжных приговорил Колли к повешенью за убийство.

Американский художник Charles Stanley Reinhart (1844-1896) изучал живопись в Мюнхенской академии. Впоследствии жил и работал в Нью-Йорке.

Бесплатная выставка «Мёртвые и живые: Коллаборация»

В галерее цифрового искусства «Цифергауз» проходит персональная выставка известного международного художника Павла Кира «Мёртвые и живые: Коллаборация». Экспозиция развернётся в пяти залах, где графика, живопись и фотография будут дополнены масштабными видеоработами, созданными в соавторстве с нейросетями, растворяющими границу между физическим и виртуальным, прошлым и настоящим, мёртвым и живым.
Когда: до 31 августа.
Набережная Адмиралтейского канала, д. 2И

Вход по бесплатной регистрации

Мы помним!

Игорь Кваша родился 4 февраля 1933 года в Москве. Актер, которого любили не только за роли в театре и в кино, но, может, в большей степени — за телепередачу «Жди меня». Он вел ее без малого 14 лет, делая перерывы только на время болезни. Также, 55 лет службы в одном, тоже блистательном театре "Современник". В 2007 году Кваша опубликовал автобиографичную книгу «Точка возврата». Игорь Владимирович был удостоен звания заслуженного и народного артиста РСФСР. Актер был женат дважды, со второй любимой женой Татьяной Путиевской - прожил 55 лет, в 1957 году родился сын Владимир. Игорь Кваша увлекался живописью, писал пейзажи и натюрморты, но на хобби у него катастрофически не хватало времени. 

С 1961 года снимался в кино, дебютировав в картинах «Сержант Фетисов» и «В трудный час». В кино актёр играл роли второго плана, особенно яркими получались у него комедийные герои — всенародную любовь ему принесли бургомистр из фильма «Тот самый Мюнхгаузен» и пастор из «Человека с бульвара Капуцинов». Также стоит отметить его яркие роли в лентах «Соломенная шляпка» (Эмиль Тавернье), «Принцесса на горошине» (Тролль), «Акселератка» (Филимон), «Ребро Адама» (Александр Наумович Гольдберг), «Ленинградец» (Леонид Львович), «Сердца трёх»(верховный жрец Бога Солнца), Иосиф Сталин в сериале «В круге первом» и тд.

Здоровье актера ухудшалось, на закате жизни он пережил несколько операций. В последние месяцы Игоря Владимировича регулярно госпитализировали из-за проблем с бронхами и легкими. Каждый раз ему удавалось выкарабкаться. Артист консультировался у пульмонологов: понимал, что не вылечится, но надеялся избавиться от постоянных приступов удушья. В конце лета 2012-го Кваша попал в реанимацию. Больше актер не вышел из больницы — 30 августа он скончался на 80-м году жизни. После известия о смерти мужа у Татьяны Семеновны отнялись ноги. Она все время плакала, тосковала по любимому. Не снимала обручальное кольцо с безымянного пальца правой руки. И смогла без мужа только два с половиной года. Больше не выдержала..